Situé au centre du Dubai Design District, Trois jardins et une salle n’est guère un secret. Mais entrez dans n’importe lequel de ses espaces, passez devant les murs incurvés peints en rose, ocre et jaune, et vous vous retrouverez au milieu des arbres du désert, merveilleusement éloignés du verre et de l’acier environnants. Les espaces ressemblent à des jardins secrets, à l’écart de l’agitation du quartier des affaires et commercial.
Trois jardins et une salle a remporté les commissions urbaines de cette année, une initiative annuelle de la Dubai Design Week. Développé par NAO Architects, il montre comment quelques éléments architecturaux placés avec précision peuvent transformer un décor. Le travail répondait au thème de cette année, Atmosphères, qui cherchait à explorer comment les conditions spatiales peuvent affecter l’état émotionnel et physique d’une personne.
«C’était un appel ouvert très inspirant», déclare Reem Nassour, fondatrice de NAO Architects, basée à Dubaï. « C’était très intuitif. Cela nous a demandé de réfléchir en tant qu’architectes à la couleur, à la matérialité, à la texture, à la teinte et à la température. »
Chaque espace à l’intérieur Trois jardins et une salle est conçu autour des « quatre composantes architecturales dominantes », dit Nassour.
S’inspirant du livre du milieu du XIXe siècle, Les quatre éléments de l’architecture par l’architecte allemand Gottfried Semper, elle identifie ces éléments comme le toit, le foyer, le monticule et l’enceinte. Dans chaque cas, l’installation bouleverse les attentes quant à ce qu’elles devraient ou pourraient être, en les appliquant souvent selon les interprétations locales.
Ici, le monticule est peut-être le plus direct. Le concept se manifeste sous la forme d’un monticule herbeux enfermé dans une structure circulaire jaune. Une paire d’acacias du désert surgit du monticule. Dans la structure ocre adjacente se trouve le foyer. Il ne s’agit pas tant d’une cheminée que d’un coin salon dans un espace central ouvert, avec des arbres sidr fournissant de l’ombre. Le toit, quant à lui, est dans la structure rose. Les branches des arbres samr s’entrelacent au-dessus, offrant de l’ombre. L’enceinte relie les trois structures (ou jardins) et comprend un coin salon et du gravier.
« Le gravier est destiné à introduire une sensation sonore », explique Nassour. Il est également destiné à évoquer la nostalgie, rappelant les chemins de gravier qui étaient et sont encore abondants à travers les Émirats arabes unis. Les couleurs pop et le design des structures circulaires, avec leurs perforations en forme de moucharabieh, sont un clin d’œil nostalgique, dit Nassour.
« C’étaient aussi les couleurs que l’on voit souvent peintes sur les maisons plus anciennes. Ces couleurs ont souvent été choisies parce qu’elles étaient vives et reflétaient la chaleur. Mais aussi, nous les avons soigneusement choisies pour la façon dont elles changeaient de couleur tout au long de la journée. À midi, le jaune paraît assez blanc. L’après-midi, il paraît orange. »
Une installation intérieure transporte les visiteurs encore plus loin, dans le nord du Karnataka en Inde, explorant la langue partagée entre les bergers Kuruba et leurs moutons.
Rassembler l’inouï : traces d’un langage non écrit est une collaboration entre la plateforme de programmation culturelle Avid Learning ME et Dakhnii Diaries, un laboratoire de recherche fondé par la designer Varsha Rani Solanki.
L’espace présente le processus de recherche de Solanki, qui a duré cinq ans, au sein d’un groupe de bergers. Il présente des panneaux muraux en laine feutrée, des espaces d’écoute qui rejouent les sons des moutons et les appels de leurs bergers, des vidéos qui offrent un aperçu de leur vie et des expositions de manteaux tissés en laine. Un mur présente les notes de terrain de Solanki, avec des photographies qui décrivent les techniques de tissage, ainsi que les méthodes de feutrage humide que la créatrice a elle-même présentées à la communauté.
«Tout ici est inspiré de mon parcours avec cette communauté», dit Solanki. Ses recherches ont commencé lorsqu’elle a remarqué le volume élevé de laine que les bergers jetaient parce qu’ils ne pouvaient pas rivaliser avec l’essor de la laine provenant de races domestiques ou de la laine importée de Chine. En conséquence, le mouton Deccani, la race indigène de la région, et les moyens de subsistance traditionnels de la communauté sont menacés.
« Cela se produit partout, pas seulement en Inde. Cela se produit ici, aux Émirats arabes unis ainsi qu’en Europe », dit-elle. « (Les communautés) s’éloignent de leurs compétences traditionnelles, qui sont pratiques et impliquent un tissage manuel qui implique beaucoup d’artisanat. Les prairies disparaissent également. »
Pour mieux comprendre le problème, elle travaille désormais avec un groupe de 20 femmes dans un village du nord du Karnataka, leur apprenant le feutrage humide, une technique plus rapide et plus contemporaine qui pourrait les aider à transformer la laine de mouton Deccani en marchandise.
La laine elle-même diffère grandement par sa texture et sa couleur des variétés mérinos. C’est plus sombre, plus grossier. Les objets autour de l’installation, que les visiteurs sont invités à toucher, portent ces qualités. Des écouteurs installés dans une alcôve en laine permettent aux visiteurs d’entendre les signaux d’appel uniques des bergers.
« Il y a aussi le bruit du métier à tisser, celui des gens qui se sentent mal », dit-elle. « L’inspiration derrière l’installation est qu’il existe un langage qui s’écrit au-delà des mots. Il y a une communication particulière entre les bergers et le troupeau, les femmes et l’artisanat. »
Ces formes alternatives de communication et de transmission des connaissances résonnent tout au long de l’exposition Abwab.
Les versions précédentes de l’initiative présentaient des installations monumentales dans les espaces extérieurs de l’événement. Cette année, cependant, une exposition a été organisée dans le bâtiment sept du lieu, réunissant cinq œuvres commandées par des praticiens de toute l’Asie et de l’Afrique. Les œuvres sont reliées entre elles par le thème In Other Words.
«Nous voulions ouvrir (l’initiative) à davantage de voix, ce qui s’inscrit parfaitement dans le thème», explique Caoimhe CJ Reynolds, conservateur et responsable du programme de la Dubai Design Week.
In Other Words, l’exposition collective d’Abwab interroge la nature du langage, ajoute-t-elle. « Tous les actes de communication impliquent une décision de conception concernant ce qui est visible et la manière dont les choses sont interprétées, façonnées et conservées. C’est une connaissance héritée du matériau, de la typographie, de l’art et de l’architecture. »
Il y a encore une certaine monumentalité à admirer. En entrant dans la mezzanine du bâtiment sept, les visiteurs verront une installation cubique à grande échelle dans laquelle ils pourront entrer et s’asseoir. La structure est imposante, même sous un plafond de plusieurs étages.
Taleem est une installation conçue par le cabinet d’architecture et de recherche Varussi, basé à Dubaï, fondé par Owais Asif Khan et Samreen Junaid Wani. La conception de l’installation s’inspire des traditions de tissage du Cachemire, en particulier d’un système de notation des couleurs et des motifs utilisé lors de la fabrication de tapis noués à la main et de châles Kani.
L’installation adjacente de sept mètres de long apporte une autre touche au thème. Titré Chuthhhhhh, l’œuvre onomatopée de Dalia Rafeh noue plusieurs itérations de la lettre arabe « sheen » dans une enseigne au néon rouge. Il est intéressant de noter que si le panneau incite au silence, il évoque également l’esthétique audacieuse et bruyante des devantures de magasins illuminées et des enseignes urbaines.
«Elle s’inspire de systèmes de signalisation et d’information», explique Reynolds. « Dalia le dit magnifiquement, un peu comme ‘il se passe tellement de choses que parfois il n’y a tout simplement pas les mots pour le dire’. »
Les autres œuvres de l’exposition font écho à cette idée de communiquer au-delà du langage.
Dans Cheent Devanagari, Kanaka Raghavan utilise l’impression en bloc et des textiles translucides pour s’opposer à l’utilisation généralisée de la typographie latine, s’inspirant plutôt des traditions structurelles et matérielles du Devanagari, un alphabet utilisé en sanskrit et en hindi ainsi que dans d’autres langues indiennes.
Chez Grace Shieh Une bibliothèque de souvenirs papier, des touffes et des chutes de papier faits à la main sont présentées sur des plates-formes à travers la mezzanine. Certaines de ces pages contiennent des vers de poèmes. Seuls certains mots sont lisibles. Le papier lui-même, dans ses textures variées et ses formes fibreuses, est ici le principal mode de communication, avec des traces du processus de fabrication du papier visibles dans les touffes inégales de lokta et de coton.
Tapisser l’espace central est une œuvre de Vivek Premachandran, qui travaille sous le nom d’Ubik. Absurdité a une qualité cartographique dans la manière dont les textes imprimés se courbent et se chevauchent.
L’œuvre s’inspire en partie de l’œuvre de Philip K Dick Comment construire un univers qui ne fonctionne pas‘Je ne m’effondrerai pas deux jours plus tard, contenant des fragments du texte ainsi que du Lorem Ipsum – un langage réservé utilisé dans l’édition et le design qui apparaît, comme le dit la documentation de l’exposition, « significatif jusqu’à ce qu’il soit réellement lu ».
L’événement se déroule au Dubai Design District jusqu’au 8 novembre
