Les aquariums tournent et babillent, les moteurs font circuler l’eau malgré leur état vide. Leurs montures en acier noir vibrent. Leurs vitres sont recouvertes d’un résidu salé provenant de la ligne de flottaison en retrait mais aussi, peut-être, de ce qui y vivait autrefois.
Deux conteneurs ronds et verticaux sont placés à côté des aquariums. Remplis d’un liquide trouble, ils sont suffisamment hauts et larges pour contenir une personne. Encore une fois, ils sont vides, à l’exception de quelque chose sur le sol qui ressemble à de la mousse ou des algues. Les brins et les touffes ne sont cependant pas verts.
« À l’intérieur des pots se trouvent des copeaux de ma peau », raconte Nour Elbery à propos de son installation. « Il y a du formol à l’intérieur, une solution de conservation. »
Elbery est l’un des six diplômés en beaux-arts de NYUAD présentant des œuvres à la Rizq Art Initiative. L’exposition, Mutable Devotions, se déroule jusqu’au 31 août. Elle comprend six petites expositions, chacune étant consacrée à un artiste.
L’utilisation par Elbery de copeaux de peau n’est pas conçue comme un élément de choc – pas complètement en tout cas. Il s’agit d’essayer de contenir ce qui ne devrait pas l’être. « Chaque œuvre est moins un récipient pour quelque chose qu’un récipient pour le souvenir de quelque chose », écrit-elle dans sa déclaration d’artiste.
Set Dressing for an Afterimage a été inspiré par l’Aquarium Grotto Garden de Zamalek, au Caire. La grotte artificielle a été initialement construite en 1871 comme un projet de vanité pour le Khédive Ismail. Le vice-roi ottoman, célèbre pour son extravagance, souhaitait que la grotte soit un espace privé pour abriter sa collection de plantes aquatiques. Le système de grottes, quant à lui, a été créé pour simuler les bruits de la mer.
« Il a été construit par un dirigeant qui rêvait de posséder le Nil, de contrôler cette terre égyptienne qui appartenait à la suzeraineté ottomane d’en bas et aux marchés du crédit européens d’en haut », explique Elbery. « C’était une époque chargée, juste avant l’occupation britannique. »
Après l’occupation britannique en 1882, la grotte a été réaménagée avec des vitrines en verre, abritant des poissons et des créatures de l’environnement. Le site est ainsi devenu une enceinte plus menaçante pour la vie sur le Nil.
La grotte est désormais vide de poissons vivants. Les chars sont stériles ou, tout au plus, présentent des squelettes. L’endroit est cependant très apprécié du public, notamment des jeunes couples, qui dessinent des cœurs et des initiales sur les vitres des aquariums. «C’est magnifique», dit Elbery.
Les Notes de Shaima Shamsi sur le fait d’être avalé par une cavité font également écho aux tentatives historiques visant à contenir et à piller le monde naturel. L’une des œuvres de sa présentation comprend 170 carreaux de céramique disposés en grille sur le mur. Chaque carreau est coloré et froissé de manière unique, se réunissant dans un assemblage fascinant de teintes et de textures terreuses.
« Pour moi, c’était un aspect de la réflexion sur la mémoire du territoire », dit-elle. « Cet ensemble de travaux commence à partir d’un lieu géologique mais s’en détache ensuite. La majeure partie de ma pratique porte sur le déplacement et l’appartenance, mais à travers ce travail, je l’ai regardé à travers le prisme de la terre et des façons de voir la terre. »
La grille est un système souvent utilisé pour diviser et arpenter les terres, « pour les rendre cassables et compréhensibles section par section », explique Shamsi.
Comme dans son installation, la grille se superpose à un terrain qui a sa logique, ses propres cadences et motifs. En ce sens, cela devient une imposition tout à fait contre nature, « gravée dans la mémoire de la terre ».
L’artiste a passé au peigne fin les études géologiques menées par les Britanniques autour du Golfe au début du XXe siècle. Leur objectif était d’identifier des terres riches en ressources. Shamsi fait référence à un livre en particulier : une publication de 1908 du géologue britannique Guy Ellcock Pilgrim.
« Ce volume s’intéresse particulièrement aux enquêtes réalisées dans la péninsule arabique », précise-t-elle. « Quand Pilgrim écrit sur Bahreïn, il a cette analyse constante de la terre et de ce qui s’y trouve. Il a un très court paragraphe sur les tumulus derrière lui – seulement quatre lignes. Et il dit qu’ils sont potentiellement phéniciens ou égyptiens. C’est très superficiel. »
Les monticules remontent à entre 2200 et 1750 avant notre ère. Ils ont été construits par l’ancienne civilisation Dilmud. Aujourd’hui, ils sont inscrits au patrimoine mondial de l’UNESCO.
Selon Shamsi, leur absence dans ces archives du début du XXe siècle a peut-être contribué à leur protection.
« L’absence est constamment une arme à double tranchant », dit-elle. « Cela peut signifier le vide des choses, mais c’est aussi en même temps la richesse des connaissances. » Shamsi insiste davantage sur ce point à travers des photographies des tumulus ainsi qu’une grande installation de type résille façonnée par des tuiles inégales suspendues au plafond – essentiellement une forme renversée des tumulus funéraires.
« La forme et la forme de cela reflètent ensuite la façon dont les monticules sont des cavités dans la terre et comment ils existent depuis 4 000 ans – une intelligence des civilisations antérieures à nous. »
Les systèmes de connaissances hérités font écho dans l’installation suivante. Dans Was the Maternal Cord to my Land Cut Before I is Born?, Maha Alasker présente une pièce qui utilise des peaux de banane, des cheveux et des céramiques. Il y a des motifs imprimés de rouille sur les sols et les murs – un langage asémique appliqué, semble-t-il, avec une allitération rituelle. Le résultat final est un espace semblable à un autel dédié à la féminité et faisant allusion aux formes féminines.
L’œuvre qui suit se situe presque à l’opposé du spectre, plongeant dans le monde numérique pour remettre en question la nature de l’humanité. Le travail de Yuehan Dai s’apparente presque à un parcours du combattant visant à déterminer l’humanité du visiteur. C’est l’inverse d’un test de Turing, dans lequel une machine décide de ce qui constitue un humain. L’artiste s’appuie sur son expérience en informatique pour créer des « systèmes de vérification », avec des défis Captcha et des agents IA qui observent le comportement humain. La pièce maîtresse est une salle de classe dotée de bureaux, d’un tableau noir et d’un écran d’ordinateur qui invite les visiteurs à choisir un mot prouvant qu’ils ne sont pas une IA.
Almaha Jaralla, quant à elle, brouille le passé et le présent dans un royaume fictif. Nommée Agraba, l’installation multidisciplinaire présente des peintures à l’échelle d’un panneau d’affichage qui collent des compositions orientalistes à des publicités contemporaines – peintes d’une manière qui rend difficile l’analyse des unes des autres. Une table de pièces en rotation s’étend au centre de l’espace. Les pièces sont la monnaie de l’Agraba fictif. Une version transparente plus grande tourne à côté. « Cela donne l’illusion d’un choix, alors que les deux côtés sont identiques et transparents, révélés comme une structure qui ne produit rien », écrit Jaralla dans sa déclaration. Entre les pièces plus petites et les pièces plus grosses, il existe un cycle sans fin.
« Chacun explique le mouvement de l’autre. Se tenir entre eux, c’est se tenir à l’intérieur de cette boucle. L’acier inoxydable traverse les deux sculptures. C’est la surface du Golfe contemporain, que l’on retrouve dans les centres commerciaux, les tours et les intérieurs des aéroports. Un matériau qui semble permanent et neutre tout en restant entièrement fabriqué », écrit Jaralla.
Enfin, Tooba Shahbaz Shaikh se lance également dans la fiction pour explorer les effets d’une ville sur le corps et le psychisme humain. Holding Or comprend des dessins au fusain, des animations et du texte, créant un être qui, tout comme nous, s’adapte et mute en fonction de son environnement. Shaikh pensait spécifiquement aux migrants qui déménagent vers un nouvel endroit à la recherche de stabilité économique.
«Je pensais à ce qui arrive à certains corps lorsqu’ils se déplacent d’un endroit à un autre», dit-elle. « Il faut s’adapter rapidement. »
Ses dessins présentent des formes végétales qui grandissent progressivement avec des matériaux synthétiques, des tiges et des branches intégrant de l’acier et du plastique ainsi que des formes rappelant des grues et des cônes de rue. UN
une œuvre vidéo multicanal, projetée sur les murs, le sol et les coins d’un espace sombre, aux côtés d’un paysage sonore croustillant, raconte l’histoire en mouvement, en utilisant la même esthétique que les dessins au fusain.
« L’histoire commence avec une graine coincée dans le pied d’un ouvrier qui vient d’un autre pays pour venir ici et qui se trouve sur un chantier de construction », explique Shaikh. « La graine arrive aussi et l’environnement est différent de celui auquel elle est habituée, et elle commence donc à se transformer. »
Mutable Devotions, l’exposition de thèses de maîtrise en beaux-arts en art et médias, se déroule à Rizq Art Initiative jusqu’au 31 août.
